Артист

Голливуд, 1927 год. Джордж Валентайн — ослепительная суперзвезда немого кино, любимец публики и баловень судьбы. На премьере своего нового приключенческого фильма он случайно сталкивается с очаровательной поклонницей Пеппи Миллер. Фотография их мимолетной встречи попадает на передовицы газет, дав молодой девушке шанс попасть на киностудию Kinograph сначала в массовку, а затем на более заметные роли.

Однако кинематограф оказывается на пороге величайшей технологической революции: на экраны вторгается звук. Глава студии Эл Зиммер объявляет о закрытии немых постановок в пользу звуковых картин. Самоуверенный Валентайн с презрением отвергает «говорящие фильмы», считая их мимолетной вульгарной модой, и решает за собственный счет поставить грандиозную немую драму. В это же самое время лучезарная Пеппи Миллер стремительно покоряет звуковой экран, становясь новым лицом фабрики грез.

Две траектории пересекаются: пока одна звезда восходит на кинематографический олимп, вторая стремительно падает на дно забвения. Это история не только о смене художественных эпох, но и об искренней преданности, уязвимости мужской гордости и любви, для которой слова оказываются совершенно излишними.

Центральный посыл Мишеля Хазанавичуса заключается в исследовании хрупкости человеческого эго и необходимости адаптации перед лицом неизбежного прогресса. Фильм показывает, что разрушительная гордость и страх потерять свою исключительность изолируют человека от мира сильнее, чем любая внешняя беда.

В то же время режиссер утверждает ценность чистого визуального искусства: отказ от диалогов обнажает искренность человеческих эмоций, пластики и взглядов. Спасение лежит не в упрямом цеплянии за прошлые лавры и не в слепом подчинении трендам, а в способности довериться другому человеку, принять смирение и найти новую форму гармонии между старым мастерством и новым миром.

Исследование выделяет три ключевые трактовки фильма и его финала:

«Артист» вышел в 2011 году — на пике бума цифрового 3D-кинематографа и компьютерных спецэффектов, вызванного «Аватаром». Синхронно с картинами Мартина Скорсезе («Хранитель времени») и Вуди Аллена («Полночь в Париже») фильм сформировал культурный феномен глубокой тоски по раннему, рукотворному кинематографу.

Появление черно-белого, почти беззвучного фильма в классическом соотношении 1.33:1 (4:3) стало дерзким парадоксом. Картина произвела триумф в Каннах и на премии «Оскар», доказав, что современная аудитория способна сопереживать чистой пантомиме и визуальному ритму без спецэффектов. Лента также вызвала волну ретроспектив мастеров немой эры (Бастера Китона, Чарли Чаплина) в синематеках по всему миру.

Зрители и критики восторженно приняли картину как триумфальный крауд-плизер и признание в любви к золотому веку кино. Ключевые достоинства:

• Обаяние актерского дуэта Жана Дюжардена и Беренис Бежо;
• Эмоциональная музыка Людовика Бурса и трюки пса Угги;
• Смелость стилизации под немое кино и жизнеутверждающий финал.

Пункты критики: некоторые обозреватели сочли формат немого кино поверхностным трюком и упрекали сюжет во вторичности по отношению к классике («Звезда родилась», «Поющие под дождем»), а часть киноведов и актриса Ким Новак возмутились заимствованием темы из «Головокружения».